Interview with Suan Lee
What brought you to the city you are based now?
I visited Itaewon for the first time along with friends and some older kids when I was 20. At the time, I was feeling that the school system did not fit me. However, in Itaewon, I was able to speak my mind about inhibition, and I made friends with people who were experiencing similar things. Naturally, I soon started referring to this area as my neighborhood. My photography colleagues and I connected by visiting one another’s Twitter feeds or Naver blogs to look at pictures, engage in chats, and discuss what concerned us at the time. The majority of the friends I made in that way had reservations about conventional institutions and shared similar worries about the future and the ecology of photography. I could deepen the depth of my work through the time I spent with them. Thankfully, I was able to introduce my work through magazine articles, exhibitions, and publications.
What is your current identity? If you have been through other identities, please tell us about your change and process.
I used photography as a tool to communicate my ideas. I then gradually started looking for other apparatus. Now, I use various means to cross over different genres while taking photos, recording videos, and telling stories. As a result, I identify as a person who freely and compatibly employs all the tools at my disposal rather than one who is constrained to a single form of expression. I think it’s good that I expand the range of work. I believe I constantly reflect upon who I am and where I want to go because my identity began from a certain place called “photography.”
Define “photographer.” Do photographers and artists have any differences?
I am certain of what qualifies one as a photographer, but I am not sure what qualifies one as an artist. To take a photograph, a spontaneous action, requires guts. Some people, those who are highly intuitive and have the capacity to unravel the moment without hesitation, manage to convey that primal urge on paper. I call such people photographers.
Which identity, a photographer or an artist, is more in line with what you want to be?
I do not want to be limited to one. I am concerned that if I had to choose only one, I would be unable to control the thoughts that originate from my other identities. Such might restrict me from taking advantage of my adaptability. So, I make an effort to maintain a balance.
Please describe your work and the steps you take to create them.
Clients are always given top priority when working on a commercial project. It is a process of molding me to the provided restrictions. In the projects I’m working on right now, the procedures work differently. In the past, I’ve been asked to categorize various capacities into genres for collaboration amongst separately identified genres. In my current team projects, people are referred to equally as “content creators” rather than being divided into genres and areas. The project team members and content creators would come together and go through several procedures of agreeing on an individual as well as corporate sensibility and sense.
Personal projects, however, use an entirely different approach. My views on photography remain conservative, intensely private, and closed. I’ve started taking landscape photos lately. I go through the process of objectifying the images and learning how the scene of emotions and senses were captured.
Do you consider commercial projects to be a part of your work?
Yes, they are also my work as they are the work of one of my many selves.
You used to be referred to as an “artist who photographs women.” Since 2019, you have been photographing the landscape. Have there been any emotional or environmental changes?
Both have changed. I had no idea how terrifying the task of photography was. Since middle school, I have been photographing women for around ten years. I was merely documenting the world to which I belonged, but words soon followed such deeds. When I became aware of the objectifying, objectified, unintentional, and unwelcome misunderstanding and threats, I became scared. I initially worried that I wouldn’t be able to hold the camera for a lengthy period, and since then, I’ve had plenty of time to reflect. I had the impression that I wouldn’t be able to photograph them until I had given them some serious thought and could confidently communicate those opinions. The “Aimless Walks” series began during that time while I carried around these disorganized thoughts in my heart. Unsure, I reflected on, rogued, and thinned my identity in photography. I immersed myself in the scenery, took pictures of the water, and projected my thoughts into it. The flowing water, the still water, and the water that glitters. I let all of my emotions out as I ceaselessly gazed at the water. Then, something remained that was impossible to unload. What remained was the only question-and-answer I was searching for. Through roguing and thinning, I developed the narratives of my image, and now I am weaving them into sentences.
How would you like your work to be shown?
The ideal medium for my work is a book. Instead of expressing something with only one image, I prefer to create narratives with words and pictures.
Which genres have had the biggest influence on you?
Photography. It still has a significant impact on now in many ways.
If you could suggest a certain musician to us, who would it be?
I’ve been researching classic photos. I’ve recently started digging out the works of legendary photographers from the past, such as David Sims and David LaChapelle.
Clients are always given top priority when working on a commercial project. It is a process of molding me to the provided restrictions. In the projects I’m working on right now, the procedures work differently. In the past, I’ve been asked to categorize various capacities into genres for collaboration amongst separately identified genres. In my current team projects, people are referred to equally as “content creators” rather than being divided into genres and areas. The project team members and content creators would come together and go through several procedures of agreeing on an individual as well as corporate sensibility and sense.
Personal projects, however, use an entirely different approach. My views on photography remain conservative, intensely private, and closed. I’ve started taking landscape photos lately. I go through the process of objectifying the images and learning how the scene of emotions and senses were captured.
Do you consider commercial projects to be a part of your work?
Yes, they are also my work as they are the work of one of my many selves.
You used to be referred to as an “artist who photographs women.” Since 2019, you have been photographing the landscape. Have there been any emotional or environmental changes?
Both have changed. I had no idea how terrifying the task of photography was. Since middle school, I have been photographing women for around ten years. I was merely documenting the world to which I belonged, but words soon followed such deeds. When I became aware of the objectifying, objectified, unintentional, and unwelcome misunderstanding and threats, I became scared. I initially worried that I wouldn’t be able to hold the camera for a lengthy period, and since then, I’ve had plenty of time to reflect. I had the impression that I wouldn’t be able to photograph them until I had given them some serious thought and could confidently communicate those opinions. The “Aimless Walks” series began during that time while I carried around these disorganized thoughts in my heart. Unsure, I reflected on, rogued, and thinned my identity in photography. I immersed myself in the scenery, took pictures of the water, and projected my thoughts into it. The flowing water, the still water, and the water that glitters. I let all of my emotions out as I ceaselessly gazed at the water. Then, something remained that was impossible to unload. What remained was the only question-and-answer I was searching for. Through roguing and thinning, I developed the narratives of my image, and now I am weaving them into sentences.
How would you like your work to be shown?
The ideal medium for my work is a book. Instead of expressing something with only one image, I prefer to create narratives with words and pictures.
Which genres have had the biggest influence on you?
Photography. It still has a significant impact on now in many ways.
If you could suggest a certain musician to us, who would it be?
I’ve been researching classic photos. I’ve recently started digging out the works of legendary photographers from the past, such as David Sims and David LaChapelle.
어떤 경로로 지금의 도시에 정착했나.
학교라는 시스템이 나에게 맞지 않는다는 것을 느끼던 중, 선배, 친구들과 스무 살 때 처음 이태원에 가게 되었다. 그곳에서 비슷한 생각을 공유할 수 있는 친구들을 만나게 되었고 자유로운 표현이 가능한 그곳에 자연스럽게 머물게 되었던 것 같다. 사진 동료들은 트위터, 네이버 블로그를 통해 만났다. 서로의 사진을 보고 찾아가서 대화하고, 고민을 나눴다. 그렇게 만난 친구들 대부분은 제도권에 대해서 회의감, 혹은 진로와 사진 생태계에 대해 고민하고 있었다. 그들과 함께한 시간이 나에게는 작업의 심도를 높이는 기회였다. 그때 운이 좋게도 내 작업이 잡지 기사와 전시, 출판 등을 통해 소개되었다.
당신의 정체성은 무엇인가. 정체성이 변화했다면 어떻게 변화되었는가.
처음 내 생각을 표현할 수 있는 도구는 사진이었다. 그러다 점차 다른 도구들을 찾게 되었다. 지금은 사진도 찍고, 영상도 찍고, 스토리텔링도 하면서 다양한 방식으로 움직이고 있다. 그래서 지금의 정체성은 하나의 매체에 한정되기보단 활용할 수 있는 도구들을 자유롭게 호환해서 활용하는 사람이다. 작업 범주가 넓어진다는 것이 바람직하게 느껴지는데, 아마도 나의 정체성이 ‘사진’이라는 특정한 지점에서 시작되었기에 항상 정체성과 방향에 대해 성찰하게 되는 것 같다.
‘사진가’는 무엇인가. 사진가와 아티스트는 다른 존재인가.
사진가의 기준은 알겠는데 아티스트의 기준은 모르겠다. 사진을 찍는다는 건 본능적인 움직임이기 때문에 용기가 필요하다고 생각한다. 굉장히 직관적이고 찰나를 잘 포착하는 사람들은 본능적인 이끌림을 한 장의 사진에 담아낼 수 있는 존재다. 나는 그런 사람들이 사진가라고 생각한다.
당신의 지향은 사진가와 예술가 어디에 더 가깝나.
하나에 속하고 싶지 않다. 그렇게 되면 다른 시각을 놓칠까 염려된다. 그것이 나의 유연함에 방해가 될 수 있다고 생각한다. 그렇기에 균형을 지키려 노력하는 편이다.
작업 방식과 프로세스를 설명해달라.
커머셜 작업을 진행할 때는 무조건 클라이언트가 일순위다. 수많은 제약과 요청에 나를 맞춘다. 현재 진행하고 있는 작업에선 조금 다른 방식으로 프로젝트들가 이뤄진다. 기존 프로젝트가 개인의 영역을 장르로 정의하고 다양한 장르가 협업하는 방식이었다면, 지금 내가 함께 일하는 팀과 프로젝트에서는 개개인 모두가 ‘콘텐츠 크리에이터’로 장르와 영역의 제한을 두지 않는다. 그런 팀원들이 모여 개인과 회사의 감도와 감각을 합의하는 수많은 과정을 거치며 빌드업한다.
반면 개인 작업은 전혀 다른 방식에 따른다. 사진에 대한 나의 입장은 보수적이고, 지극히 개인적이며, 폐쇄적이다. 최근 풍경을 찍고 있는데 이미지를 객관화하고 포착했던 장면을 통해 감정과 감각의 흐름을 발견하는 과정을 거친다.
학교라는 시스템이 나에게 맞지 않는다는 것을 느끼던 중, 선배, 친구들과 스무 살 때 처음 이태원에 가게 되었다. 그곳에서 비슷한 생각을 공유할 수 있는 친구들을 만나게 되었고 자유로운 표현이 가능한 그곳에 자연스럽게 머물게 되었던 것 같다. 사진 동료들은 트위터, 네이버 블로그를 통해 만났다. 서로의 사진을 보고 찾아가서 대화하고, 고민을 나눴다. 그렇게 만난 친구들 대부분은 제도권에 대해서 회의감, 혹은 진로와 사진 생태계에 대해 고민하고 있었다. 그들과 함께한 시간이 나에게는 작업의 심도를 높이는 기회였다. 그때 운이 좋게도 내 작업이 잡지 기사와 전시, 출판 등을 통해 소개되었다.
당신의 정체성은 무엇인가. 정체성이 변화했다면 어떻게 변화되었는가.
처음 내 생각을 표현할 수 있는 도구는 사진이었다. 그러다 점차 다른 도구들을 찾게 되었다. 지금은 사진도 찍고, 영상도 찍고, 스토리텔링도 하면서 다양한 방식으로 움직이고 있다. 그래서 지금의 정체성은 하나의 매체에 한정되기보단 활용할 수 있는 도구들을 자유롭게 호환해서 활용하는 사람이다. 작업 범주가 넓어진다는 것이 바람직하게 느껴지는데, 아마도 나의 정체성이 ‘사진’이라는 특정한 지점에서 시작되었기에 항상 정체성과 방향에 대해 성찰하게 되는 것 같다.
‘사진가’는 무엇인가. 사진가와 아티스트는 다른 존재인가.
사진가의 기준은 알겠는데 아티스트의 기준은 모르겠다. 사진을 찍는다는 건 본능적인 움직임이기 때문에 용기가 필요하다고 생각한다. 굉장히 직관적이고 찰나를 잘 포착하는 사람들은 본능적인 이끌림을 한 장의 사진에 담아낼 수 있는 존재다. 나는 그런 사람들이 사진가라고 생각한다.
당신의 지향은 사진가와 예술가 어디에 더 가깝나.
하나에 속하고 싶지 않다. 그렇게 되면 다른 시각을 놓칠까 염려된다. 그것이 나의 유연함에 방해가 될 수 있다고 생각한다. 그렇기에 균형을 지키려 노력하는 편이다.
작업 방식과 프로세스를 설명해달라.
커머셜 작업을 진행할 때는 무조건 클라이언트가 일순위다. 수많은 제약과 요청에 나를 맞춘다. 현재 진행하고 있는 작업에선 조금 다른 방식으로 프로젝트들가 이뤄진다. 기존 프로젝트가 개인의 영역을 장르로 정의하고 다양한 장르가 협업하는 방식이었다면, 지금 내가 함께 일하는 팀과 프로젝트에서는 개개인 모두가 ‘콘텐츠 크리에이터’로 장르와 영역의 제한을 두지 않는다. 그런 팀원들이 모여 개인과 회사의 감도와 감각을 합의하는 수많은 과정을 거치며 빌드업한다.
반면 개인 작업은 전혀 다른 방식에 따른다. 사진에 대한 나의 입장은 보수적이고, 지극히 개인적이며, 폐쇄적이다. 최근 풍경을 찍고 있는데 이미지를 객관화하고 포착했던 장면을 통해 감정과 감각의 흐름을 발견하는 과정을 거친다.
커머셜 작업도 자신의 작업으로 여기나.
그렇다. 다른 자아에서 파생된 내 작업이다.
예전에 당신이 ‘여성을 찍는 아티스트’로 불렸던 것으로 기억한다. 2019년 이래로 풍경만 담고 있는데 정서적, 환경적 변화가 있었던 건가.
둘 다였다. 사진이 그렇게 무서운 것인 줄 몰랐다. 중학생 때부터 10년간 여성을 찍었던 것 같다. 나는 내가 속한 세상을 기록한 것뿐이라 생각했는데 어느 순간 그러한 행위에 수식어가 따라붙었다. 대상화하고, 대상화되며, 의도하지 않고, 원치 않았던 오해와 위험을 느끼는 순간 두려웠다. 당분간은 카메라를 들 수 없겠다고 생각했고, 그 뒤로는 오랜 기간 성찰하는 시간을 가졌던 것 같다. 그들에 대해 진지한 고찰이 가능하고, 그 생각을 명백하게 표현할 수 있을 때 그들을 다시 기록할 수 있겠다고 생각했다. 그렇게 정리되지 못했던 많은 생각을 안고 ‘표류 없는 여행’ 시리즈를 시작하게 되었다. 사진을 통해 정체성에 대해 돌아보고, 솎아냈다. 풍경에 몰입해 물을 찍고 거기에 내 생각을 투영해 갔다. 흐르는 물, 고인 물, 빛나는 물 등 물을 하염없이 바라보다 감정을 비워갔는데, 끝내 비워지지 않았던 것이 결국엔 내가 알고 싶었던 질문이자 대답이었다. 이러한 솎아냄을 통해 이미지의 내러티브를 만들어가고, 그것들을 문장으로 엮고 있다.
당신의 작업을 어떠한 형태로 선보이기를 원하나.
책이 가장 잘 맞는다. 한 장의 이미지로 표현하기보단 사진과 문장으로 서사를 만드는 걸 좋아한다.
큰 영향을 받는 장르가 있다면 무엇인가.
사진. 여전히 많은 부분에서 사진의 영향을 받고 있다.
최근에 디깅하고 있는 아티스트와 추천하고 싶은 아티스트가 있다면
요즘 고전적인 사진을 보고 있다. 최근에는 데이비드 심스(David sims), 데이비드 라샤펠(David Lachapelle) 등 한 시대를 풍미한 작가들과 그들의 사진을 한창 디깅 중이다.
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그렇다. 다른 자아에서 파생된 내 작업이다.
예전에 당신이 ‘여성을 찍는 아티스트’로 불렸던 것으로 기억한다. 2019년 이래로 풍경만 담고 있는데 정서적, 환경적 변화가 있었던 건가.
둘 다였다. 사진이 그렇게 무서운 것인 줄 몰랐다. 중학생 때부터 10년간 여성을 찍었던 것 같다. 나는 내가 속한 세상을 기록한 것뿐이라 생각했는데 어느 순간 그러한 행위에 수식어가 따라붙었다. 대상화하고, 대상화되며, 의도하지 않고, 원치 않았던 오해와 위험을 느끼는 순간 두려웠다. 당분간은 카메라를 들 수 없겠다고 생각했고, 그 뒤로는 오랜 기간 성찰하는 시간을 가졌던 것 같다. 그들에 대해 진지한 고찰이 가능하고, 그 생각을 명백하게 표현할 수 있을 때 그들을 다시 기록할 수 있겠다고 생각했다. 그렇게 정리되지 못했던 많은 생각을 안고 ‘표류 없는 여행’ 시리즈를 시작하게 되었다. 사진을 통해 정체성에 대해 돌아보고, 솎아냈다. 풍경에 몰입해 물을 찍고 거기에 내 생각을 투영해 갔다. 흐르는 물, 고인 물, 빛나는 물 등 물을 하염없이 바라보다 감정을 비워갔는데, 끝내 비워지지 않았던 것이 결국엔 내가 알고 싶었던 질문이자 대답이었다. 이러한 솎아냄을 통해 이미지의 내러티브를 만들어가고, 그것들을 문장으로 엮고 있다.
당신의 작업을 어떠한 형태로 선보이기를 원하나.
책이 가장 잘 맞는다. 한 장의 이미지로 표현하기보단 사진과 문장으로 서사를 만드는 걸 좋아한다.
큰 영향을 받는 장르가 있다면 무엇인가.
사진. 여전히 많은 부분에서 사진의 영향을 받고 있다.
최근에 디깅하고 있는 아티스트와 추천하고 싶은 아티스트가 있다면
요즘 고전적인 사진을 보고 있다. 최근에는 데이비드 심스(David sims), 데이비드 라샤펠(David Lachapelle) 등 한 시대를 풍미한 작가들과 그들의 사진을 한창 디깅 중이다.
